Арт-обзор 28.03-04.04.24

29.03.24. Музей современной истории России представил выставку работ ведущих западноевропейских художников-графиков XVIII – XX веков: Джованни Баттиста Пиранези, Франсиско Гойи, Георга Гросса, Херлуфа Бидструпа, Пабло Пикассо, Жана Кокто, Хуана Миро, Фернана Леже, Жоржа Брака, Марка Шагала и многих других. На выставке «Просветители и бунтари. Зарубежная графика XVIII-XX вв. из собрания Музея современной истории России» многие из картин представлены впервые, в том числе, «Натюрморт» Пабло Пикассо. Экспозиция охватывает три прошедших столетия и делится на три главных раздела: Век XVIII. Памятники Вечного города. Представлен произведениями родоначальника «бумажной архитектуры», коллекционера, археолога и художника-гравера, «певца неоклассицизма» Джованни Баттиста Пиранези; Век XIX.Испанский дух. Отражен в серии офортов мрачного романтика Франциско Гойи, посвященной национальному испанскому зрелищу – корриде; Век ХХ. Меняющийся мир. Демонстрирует целый спектр произведений: от художников ярко выраженной левой направленности, клеймящих капитализм, надвигающуюся угрозу фашизма, хищническое отношение к ресурсам Земли (Георг Гросс, Кети Кольвиц, Херлуф Бидструп) до главных экспериментаторов с формой и цветом в двадцатом столетии – Марка Шагала, Пабло Пикассо и Хуана Миро. Выставка работает до 28.07.24.

01.04.24. Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина представил монографическую выставку Владимира Вейсберга (1924–1984) в год его столетия. Выставка «От цвета к свету. К 100-летию со дня рождения Владимира Вейсберга» имеет двойное посвящение: собственно художнику и его исследователю – Анне Чудецкой (1958–2023), хранителю фонда Владимира Вейсберга в отделе личных коллекций ГМИИ им. А.С. Пушкина. Концепция основана на материалах Анны Чудецкой и ее фундаментальной монографии «От цвета к свету». Владимир Вейсберг – выдающийся русский художник и теоретик искусства, принадлежащий к послевоенному поколению авторов, становление которых пришлось на середину 1950-х – начало 1960-х годов. Его творчество не вписывалось в рамки ни официального искусства, ни нонконформизма, он – художник традиции, постижение законов классического искусства было целью его теоретических поисков и живописной практики. Связь Владимира Вейсберга с ГМИИ им. А.С. Пушкина была постоянной – с ранней юности и до последних лет жизни он почти еженедельно посещал музей. Этот союз продлился и после кончины художника: его вдова Галина Ермина в 1997 году передала в дар Пушкинскому музею коллекцию живописи и графики. Благодаря этому ГМИИ им. А.С. Пушкина располагает самым большим музейным собранием произведений Вейсберга.

Выставка «От цвета к свету. К 100-летию со дня рождения Владимира Вейсберга» поделена на семь разделов и строится по хронологическому принципу. Два зала посвящены так называемому цветному периоду – произведениям второй половины 1950-х, когда творческие поиски мастера происходили на фоне культурного подъема эпохи оттепели и оживления художественной жизни в стране. Зал «Преображение реальности» посвящен становлению оригинальной живописной концепции Вейсберга. Здесь представлены знаковые произведения этого периода – «Посвящение Сезанну», «Композиция с газовой тканью», «Архитектура» и другие.. Владимир Вейсберг рассматривал эволюцию восприятия цвета как поступательное развитие в истории живописи, которая от прямого натуроподобия через аналитический этап становилась инструментом исследования человеческого сознания. Зал рисунка представляет «лабораторию Вейсберга», длительное время следовавшего жесткому распорядку: утром – живопись, вечером – рисунок. «Невидимой живописи» зрелого периода посвящены два заключительных зала. «Архитектура валеров» – такой термин Вейсберг использовал в середине 1960-х для определения своей живописи. Он строил композиции на взаимодействии сближенных цветовых оттенков. «Белое» произведение художника никогда не заключало в себе чистого цвета: белила использовались только в смесях с хроматическими цветами. Тонкие нюансы цвета и тона, из которых составлялось общее цветовое решение, Вейсберг называл валерами. В начале «белого» периода он уделял внимание сложной фактуре, накладывая на холст корпусные мазки различной плотности, но потом полностью сосредоточился на проблемах пространства. К выставке подготовлены образовательная и инклюзивная программы, а также сувенирная коллекция. Кураторы: Анна Чудецкая (1958–2023), кандидат искусствоведения, хранитель фонда Владимира Вейсберга в отделе личных коллекций ГМИИ им. А.С. Пушкина; Елена Каменская, кандидат искусствоведения, советник дирекции ГМИИ им. А.С. Пушкина. Участники: ГМИИ им. А.С. Пушкина, Государственная Третьяковская галерея, Государственный Ростово-Ярославский архитектурно-художественный музей-заповедник, частные собрания. Выставка работает до 30.06.24.

01.04.24. Московский музей современного искусства представил выставку «Сингулярность», приуроченную к юбилею народного архитектора Российской Федерации Николая Ивановича Шумакова. Николай Шумаков — известный российский архитектор и художник, народный архитектор РФ, академик Российской академии художеств и Российской академии архитектуры и строительных наук, главный архитектор Института «Мосинжпроект», президент Союза архитекторов России и Союза московских архитекторов, член Совета по культуре и искусству при Президенте РФ. Автор проектов более 40 станций Московского метрополитена, аэровокзального комплекса (аэропорт «Внуково»), Западного речного порта (Москва), строящихся линий Омского и Челябинского метро и крупнейшего в Европе вантового моста (Живописный мост) в Москве.

В залах представлены работы Шумакова, сгруппированные по направлениям творчества: архитектура, живопись и скульптура. В разделе «Архитектура» рассмотрены различные градостроительные проекты Шумакова, сформировавшие современный облик столицы — от Московского метрополитена и комплекса зданий аэропорта «Внуково», до ажурных переплетений Живописного моста в Хорошево-Мневниках. Самой зрелищной частью раздела «Живопись» являются портреты друзей и знакомых автора, в которых легко можно узнать известных культурных и общественных деятелей. Среди них: художник-мультипликатор Юрий Норштейн, народный артист РФ Владимир Машков, скульптор Александр Рукавишников, певец и композитор Петр Налич и другие. Однако художник не ограничивается исключительно портретным жанром, и выставочное пространство дополнено интерьерными мотивами, натюрмортами, а также вариациями иконописных композиций. В них Шумаков видит вдохновение, находит ракурсы новых конструктивных решений, которые, возможно, обретут будущее в дальнейших архитектурных проектах. Экспозицию дополняют графические и цифровые работы Николая Шумакова; всего на выставке представлено более 100 произведений. В рамках выставки пройдет презентация альбома, в который вошли фотографии реализованных архитектурных проектов и живописные работы художника. Выставка работает в ММОМА Гоголевский бульвар 10/1 до 10.05.24.

O2.04.24. Галерея сцена/szena представила персональную выставку российско-немецкого художника Андрея Гольдера, созданные им в России в 2024 году. В начале 1990-х годов Андрей Гольдер переехал с семьей в Германию, жил и работал в Берлине. Персональные выставки Гольдера проходили в Лондоне, Берлине, Милане, Копенгагене, Пекине и Москве. В экспозиции выставки «Такого еще не было, но вот опять» в галерее сцена/szena собраны новые работы художника. Андрей Гольдер формирует пространство личной мифологии в фигуративной живописи: гротескные образы напоминают о постоянном соседстве витальности и упадка, любви и боли от ее невозможности. Персонажи его работ существуют в хаотическом мире вечных аутсайдеров, травмированных реальностью, выталкивающей все «несоответствующее» на периферию нашего взгляда.

03.04.24. Галерея ART & BRUT провела preview выставки «Мерцание», которая стала результатом весеннего open call. Мерцание — явление, которое едва ли возможно уловить и запечатлеть. Именно поэтому оно по сей день не покидает умы философов, поэтов и художников. Мы видим его в природе, на поверхности воды в солнечный день, в свечении молний, в неоновых вывесках, в кинематографе, на тканях, в поступках людей, и на собственной коже. Более 670 художников приняли участие в конкурсе, из них 40 авторов представляют в выставочных залах галереи свои работы созданные в разных медиа, каждая из которых несет свой собственный свет и энергию. Проект проходит при участии Moscow School of Contemporary Art (MSCA). Выставка работает до 08.04.24.

03.04.24. Галерея ARTSTORY представила выставочный проект «Три главы из жизни женщины». Выставка-исследование объединяет высказывания двадцати одного художника, размышляющих на тему женщины и женственности. Работы представлены в разных медиа – живописи, графике, фотографии, скульптуре. Одной из задач проекта стала попытка проследить эволюцию женского образа, удивительного баланса между его силой и слабостью-хрупкостью, – по главам, которым соответствуют три возраста –детство, юность/зрелость и старость.

Участники проекта: братья Дмитренко, Александр Кабин, Сергей Казаков-Подкин, Дарья Клементьева, Дарья Коновалова-Инфанте, Екатерина Ковалева, Иван Коршунов, Евгений Кравцов, Анастасия Кузнецова-Руф, Анна Лапшинова, Влад Локтев, Мила Маркелова, Владимир Мартиросов, Ольга Менжилий, Владимир Мигачев, Сергей Обухов, Евгений Прохоренко, Мария Сафронова, Александра Соколова, Нана Татишвили. Проект, в отличие от многих других примерно на ту же тему, не утверждает простую красоту телесности и, в то же время, не меняет оптику в сторону социальной повестки. Для галереи, в первую очередь, было важно собрать и показать максимально цельный образ женщины – в различных ее проявлениях, в разных состояниях, в разном возрасте. На выставке представлены инсталляции Анны Лапшиновой и Евгения Прохоренко, кинетические объекты Владимира Мартиросова. Более того, проект «Три главы из жизни женщины» охватит разные стили: от тонких графических работ Дарьи Коноваловой-Инфанте и Наны Татишвили до экспрессивных полотен Милы Маркеловой и Саши Соколовой. В разнообразии жанров выделяются работы Влада Локтева, который наиболее известен в области фэшн-фотографии, а в последнее время его фотоработы максимально приближаются к искусству пиктореализма.  В рамках проекта создано экспозиционное пространство, которое станет площадкой не только для кураторского исследования, но и для самостоятельного размышления каждого посетителя. Выставка работает до 19.05.24.

04.04.24. Галерея Ruаrts представила первую персональную выставку московского художника Виталия Тюрлика «Сонный паралич» в рамках проекта «Дебют». Виталий Тюрлик – историк-архивист, московский художник, с 2023 года работает эксклюзивно с галереей Ruarts. Практика художника связана с понятием «upcycling»: большая часть материалов, задействованных в работе, – ткань, бывшая в употреблении, зачастую непригодная для дальнейшего использования. На выставке представлены работы, выполненные в технике текстильного коллажа, сам художник называет их текстильными панно. Работы Тюрлика представляют собой странные, зачастую абсурдные ситуации, иногда в сочетании с игрой слов, созвучиями и шутками. Художник намеренно избегает серьезности и любого философствования. Текстильные панно, созданные художником специально к выставке, иллюстрируют сюжеты, истоки которых в необычной прослойке между сном и явью, в сонном параличе, где расплываются и искажаются привычные понятия, ориентиры и значения. Эпизод сонного паралича, как правило, длится от нескольких секунд до нескольких минут, характерно, что он сочетается с яркими, но крайне неприятными, пугающими сновидениями. Отдельная роль в работах Тюрлика отведена словам, которые, оказываясь частью сюжета, искажают значения и смыслы. Вот, например, как описывает работу «Клюёт» сам автор: «Неоднократно проезжая по мосту из Химок в Москву зимой, я наблюдал такую картину на водохранилище: увлеченные зимней рыбалкой люди виднеются точками на белом фоне. Вместе с тем я задумывался о понятии «клёв»: принято говорить, что рыба «клюёт» – хотя это исключительно птичье занятие. Что, если чернеющие на снегу точки – это своего рода зерна, которые мог бы клевать исполинский петух? Может быть, это аллегория смерти, стоящей рядом со всем живым, а, может, – это родственник курицы Чернушки из повести “Черная курица, или Подземные жители” Антония Погорельского». Художник не ставит себе задачу напугать зрителя или вызвать неприятные эмоции. Текстильные панно Тюрлика это вольные фантазии на знакомые многим темы, реакция автора на действительность и сопутствующие ей явления. Но главная мысль, которую хочет донести художник, сонный паралич – дискомфортное, но все-таки конечное явление. Озадачив, ошеломив и даже испугав человека, он неизбежно уступит место окончательному пробуждению. Выставка работает до 12.05.24.

04.04.24. Галерея Reloft Art представила персональный выставочный проект Константина ZMOGK Данилова «Borderline States». Серия посвящена анализу эмоциональных переживаний и конструированию форм на пересечении психологии и социологии цвета. Вслед за художниками Баухауса, живописцами цветового поля и абстрактными экспрессионистами художник ищет динамичные колористические сочетания, способные воздействовать на эмоциональный фон. Основное пространство работ фокусируется на одном базовом цвете, ассоциирующемся с доминантной эмоцией. Цвет на границах картин, часто невидимый при фронтальном взгляде, несет в себе вытесненные эмоции, которые возникают как реакция на события или действия.  Сильно повышенный контраст и противоположные цвета порождают т. н. послеобразы при движении глаза. Процесс восприятия работы может развиваться как медитативное состояние, попытка унять внутренний голос и сфокусироваться на пустоте, центре. Подобно тому, как неподготовленный ум с трудом освобождается от посторонних мыслей, цвета на периферии картины вносят в основную тему дополнительный эмоциональный шум. Константин ZMOGK Данилов: «В идеале работы серии должны функционировать по принципу так называемых «мест силы», от природных заповедников, парков и прочего до “заряженных” сакральных пространств (соборов, тотемов, центров паломничества). Оказываясь в таких локациях, мы испытываем сильный эмоциональный всплеск, который, в свою очередь, через восхищение, ритуалы, молчание создает цикл “подпитки”. “Borderline States” предполагают движение от центра к периферии и обратно, освоение цветового пространства, сопоставление эмоционального фона и цвета. Мне бы хотелось добиться таких сочетаний и динамики, чтобы картины непосредственно и положительно влияли на артикуляцию эмоционального интеллекта». Выставка работает до 19.05.24.

04.04.24.  В «Зарядье» организаторы представили проект «Музыка нашего времени» и предстоящую программу в Малом зале «Зарядье», где в рамках проекта «Музыка нашего времени» в сотрудничестве с фестивалем современной оперы «Приглушённые голоса» 15 апреля пройдет вечер современной вокальной музыки. Зрителям представят две камерные оперы композитора Татьяны Чудовой: «Сон Татьяны» по мотивам знаменитого эпизода из романа «Евгений Онегин», а также состоится премьера фантастической моно-мини-оперы «Голова профессора Доуэля». Также в программе: премьера вокального цикла из 6 песен британского композитора Джона Тавенера на стихи Анны Ахматовой, мировая премьера произведения композитора Юрия Буцко«Две сказки» на стихи И.А. Бунина и 5 песен из вокального цикла композитора Валерия Гаврилина «Русская тетрадь». Выступят солисты российских и мировых театров Полина Шабунина, Александра Ковалевич, Денис Седов, Юлия Петрачук, Александра Дурсенева, ансамбль Lyrica Classic, танцовщица Виктория Михайлец, артисты театра танца «Фестиваль».   Художественный руководитель и продюсер проекта: Карина Погосбекова.

04.04.24. Syntax Gallery представила персональный проект представителя стрит-арта в России Ивана Симонова. Выставка «Дурачок» описывает путь от бессмысленного брожения и мытарств до поиска счастья к умиротворению и гармонии. Все произведения, представленные на выставке, отражают экзистенциальные проблемы, с которыми сталкивается человек. В экспозиции используется зонирование на две части: материальная жизнь и слепое блуждание, хаотичное движение; поиск радости и зона спокойствия, уединения. Разделены они при помощи штор из игральных карт, которые были созданы художником в декабре 2023 года и имеют название «Дурачок».

Карты становятся связующим элементом проекта — «разбросанные» по всему пространству галереи и заигрывая со зрителем, они объединяют все экспонаты, напоминая тем самым, что все наше существование и есть игра. Таким образом, посетитель, мысленно играя в «Дурака», в конце «игры» сможет сделать свои выводы как о личном, так и коллективном опыте восприятия различных событий и фактов. На выставке представлены новые работы художника, выполненные в широком диапазоне техник: живопись, коллаж, деревянная скульптура, царапание по стеклу и ассамбляж, созданные специально для проекта. Выставка работает до 19.05.24.

Блиц-интервью Ивана Симонова для Cabinet de l’art

Ольга: Иван, первые вопросы о самом выставочном проекте «Дурачок», представленном в Syntax Gallery. Заявлено, что все произведения на выставке отражают экзистенциальные проблемы, с которыми сталкивается человек. Что это за проблемы – с твоей точки зрения? Это универсальный набор или эти вызовы меняются на разных возрастных этапах и под влиянием исторического контекста и жизненных событий для каждого человека? 

Иван: В моем понимании экзистенциальные проблемы вечны, мы всегда будем с ними жить и пытаться их решить на своем жизненном пути. Как меня учили в институте на режиссуре – жизнь – это вечный конфликт и начинается он с самого рождения в виде силы притяжения. А дальше этих конфликтов становится все больше и каждый из них фундаментален. Просто некоторые проблемы становятся в определенное время более значимы, а другие отходят на второй план.

Ольга: Экспозиция разделена на зоны. Условно говоря, хаотичное метание и спокойствие в поиске радости. Поскольку слепое блуждание завязано по заложенной в твоем проекте мысли с материальной жизнью, значит зона спокойствия и радости лежит в чем-то другом. Где эту зону умиротворения искать, с твоей точки зрения?

Иван: Да, одна из работ так и называется «Гниющая/гнетущая материальность». Мы заложники материи, а умиротворение я предлагаю искать в себе, своей психике, природе, возможно духовных и религиозных исканиях. Однозначно в том, что больше нас самих.

Ольга: Игральным картам отведена важная роль в твоем выставочном проекте. Каким образом они становятся стержневым элементом и в визуальном, и в смысловом плане?

Иван: Привязка карт в проекте довольно проста – с одной стороны сама игра «дурачок», в которую учат играть с детства, с другой метафора карт, как вообще олицетворение игры и визуализация выражения «жизнь-игра».

Вообще карты кажутся очень материальным образом, часто карты становятся способом развлечения, причиной финансового краха (тут вспоминается множество произведений классиков в литературе), но в тоже время — это абсолютно мистический символ, связанный с гаданиями и потусторонними силами.

Ольга: Ты сам по жизни игрок, если уж речь зашла о картах?

Иван: Я вообще азартный человек. Меня дядя с 9 лет учил раскладывать «пулю» – это упрощенная версия преферанса для двоих. И мы могли играть до 3-4 утра. Но при этом карты всегда были воспитательным моментом – главное, чему меня дядя научил – всегда играть по своим картам, не лезть наражон и не играть на деньги. Этому правилу я и следую до сих пор. Хотя «пулю» уже давно не расписывал, разве что в «дурочка» иногда перекидываюсь на даче.

Ольга: И завершающий вопрос нашего блиц-разговора – тебя всегда представляют как яркого известного представителя стрит-арта в России. Можно сейчас где-то увидеть твои публичные работы на улице или ты можешь назвать самые интересные из уличных практик в прошлом? Чем уличный опыт помогает или наоборот осложняет твой путь в галереи с выставочными проектами?  

Иван: Уличный художник – это такой ярлычок, который крепко держится. Да, я делаю периодически уличные работы, но сейчас уже не так активно, в год всего 2-3 работы. (А легальные стенки – уличными назвать никак нельзя). Считаю, что это очень мало для уличного художника.

Проект #маленькиелюди можно найти в Сергиевом Посаде, Казани, Екатеринбурге, Петербурге на Севкабеле. Еще три больших работы есть в Ростове-на-Дону.

Многие работы уничтожены. Из тех, что когда-то были в Москве, можно выделить следующие:

Самая знаковая для меня работа из серии #маленькиелюди «Палыч». Которую я сделал в 20 году на основе цитаты простого рабочего Палыча.

И еще один проект «Продано», когда я заматывал городские объекты скотчем с надписью «продано» и писал слова, которые обесцениваются или эксплуатируются капитализмом.

Мой уличный опыт безусловно влияет на галерейные проекты. Часто я беру приемы, которые придумал на улице. Например, серия «Окна» – это сайт-специфичный проект, сделанный в электричке, который был прекрасно представлен в формате пластификации на моей предыдущей выставке «Текст как ландшафт». Да и сами темы и идеи проектов близки и скорее дополняют друг друга, они всегда про человека и обстоятельства, в которых он существует.

Источник